• Fernando Botero
• Alejandro Obregon
• Omar Rayo
• Edgar Negret Dueñas
• David Manzur

PINTORES

FERNANDO BOTERO

Nació el 19 de Abril de 1932 en Medellin, capital del departamento de Antioquia, Colombia. Inicia su carrera artística en esta misma ciudad en el año de 1946; dos años más tarde, a la edad de dieciséis años, expone por primera vez en Medellin, junto a otros artistas. Es en esta época, es en la que dibuja ilustraciones para el periódico El Colombiano, el más importante del departamento de Antioquia.

Su primer premio lo gana en 1952, cuando logra el segundo lugar en el IX Salón de Artistas Colombianos con su obra La Costa. Este mismo año se radica en Europa, donde estudia a los grandes maestros del arte universal en la Escuela de San Fernando; pero al año siguiente hasta 1955 permanece estudiando en Italia la técnica de pintura al fresco.

Durante 1958 participa en el XI Salón de Artistas Colombianos y gana el Premio Nacional de Pintura.

En 1961 radica en Nueva York, pero es luego de tres años que realiza su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York; para el año de 1965 se considera que el estilo plástico de Botero, ya completamente maduro, emerge por primera vez en la obra "La Familia Pinzón"; para entonces, ya ha realizado varias exposiciones en Estados Unidos. En 1966 realiza la primera de sus exposiciones en Europa, en la Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden, en Alemania. En 1967, su cuadro, "La Familia Presidencial" es adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1978 se establece en Paris. a partir de esa fecha, las exposisicones de Fernando Botero continuan sin freno en galerías y museos de Bélgica, Noruega, Suecia, Estados Unidos, Italia, Puerto Rico, Japón, España, México, Suiza, Alemania y Francia, entre otros países. Su talento, reconocido en todos los lugares a los que llega su obra, lo convierte en uno de los cinco pintores vivos de su generación, más importante del mundo.

Su obra es una de las más extensas del arte nacional y siempre se ha caracterizado por tratar temas netamente colombianos. Personajes, tradiciones, e incluso el tema de la violencia;
prueba de su talento es que muy buena parte de su producción se encuentra en coleciones extranjeras.

Ha sido condecorado con la Orden Andres Bello por el Gobierno de Venezuela (1976); por el Gobierno Colombiano con la Cruz de Boyaca (1977) y declarado Personaje del Año en Colombia en el 2000.

 

ALEJANDRO OBREGON

Nace el 4 de junio de 1920 en Barcelona, España. A los seis años se radica con sus padres en Barranquilla, Colombia. En 1929 se reinstala con su familia en Barcelona. Estudia secundaria en el Stony Hurst College, Liverpool, Inglaterra (1930-34), y en Boston, Massachusetts, Estados Unidos (1934-36). En 1936 interrumpe sus estudios y trabaja en la empresa textilera de su familia en Barranquilla hasta que en 1938 se enrola como camionero e intérprete en las petroleras del Catatumbo, Colombia.

De regreso a los Estados Unidos, frecuenta la Escuela de Arte del Museo de Boston (1939-40). En calidad de Vicecónsul de Colombia, de 1940 a 1944 reside en Barcelona, España. Allí asiste en 1942 en la academia de La Llotja y luego a los cursos libres de dibujo y pintura en el Círculo Artístico, hasta que decide proseguir por su cuenta su formación artística. A los 24 años de edad (1944), regresa a Colombia y enseña en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá.

En 1945 presenta su primera exposición individual en Biblioteca Nacional de Bogotá. Un año más tarde se instala en Barranquilla, luego de renunciar a su cargo en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En 1947 recibe en su taller al arquitecto Le Corbusier, quien manifiesta poco entusiasmo por sus trabajos. Tras esta visita su estilo se toma más geométrico, ordenado y sintético. Testigo directo de la sangrienta represión de la dictadura militar, realiza en 1948 el óleo Masacre.

10 de abril, que exhibe, con otros cuadros de contenido político, en su exposición individual en la Sociedad Colombiana de Arquitectos, pocos días después de tan trágicos sucesos. Durante el tiempo que dirige la Escuela de Bellas Artes de Bogotá (1948-49), ejerce gran influencia sobre los artistas en formación. A mediados de 1949, renuncia a dicho cargo para instalarse en Francia. Tras un breve paso por París, se establece en Alba-la-Romaine, cerca de Aviñón (1949-54).

Allí trabaja en composiciones estáticas de formas planas, sintéticas y geometrizadas, de clara influencia cubista. En Francia presenta exposiciones individuales en Montelimar (1953) y en la Galería Creuze de París (1954).

En 1955 expone en la Unión Panamericana de Washington, D.C., participa en la II Bienal de Sáo Paulo y en la III Bienal Hispanoamericana de Barcelona, en la que obtiene un premio. A partir de 1956 comienzan a hacerse recurrentes en su pintura ciertos objetos-símbolo de la fauna, flora y geografía de la costa tropical en que vive.

Inicia las series Cantaclaros y Eclipses. Ese mismo año obtiene en Houston, Texas, el primer premio en la Gulf Caribbean International Exhibition. En homenaje a los estudiantes asesinados por la dictadura durante las revueltas del 8 y 9 de junio de 1954, pinta el óleo Velorio. Estudiante fusilado, con el que gana en Bogotá el Premio Guggenheim International. Todavía en 1956 expone individualmente en la Sociedad Colombiana de Arquitectos, en el Club de Profesionales de Medellín y en el Museo La Tertulia de Cali.

Un año más tarde, después de ser testigo de las manifestaciones populares y la sangrienta represión que precedieron a la caída de la dictadura de Rojas Pinilla (10 de mayo), aborda de nuevo en sus cuadros los temas de la violencia política y social, como en Estudiante muerto, con el que obtiene el segundo premio en el X Salón Anual de Artistas Colombianos. Concurre a la IV Bienal de Sáo Paulo. Tras un viaje de varios meses por Francia y los Estados Unidos (1957-58), a partir de 1958 abandona la estructura geométrica y acentúa cada vez más la espontaneidad del trazo y la síntesis formal, comenzando así su período expresionista, casi lindante ya con la abstracción.

Ese año gana el Primer Premio de la Bienal Hispanoamericana en Madrid. En 1959-60 enseña en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En 1959 inicia la serie Cóndores y Mojarras, presentadas entonces en dos muestras personales en Bogotá: los Cóndores en la Biblioteca Nacional, las Mojarras en la Librería Buchholz. Exhibe individualmente también en la Obelisk Gallery de Washington, D.C. y en la Roland de Aenlle Gallery de Nueva York. Por esas misma fechas gana el Primer Premio en el Salón Anual de Barranquilla y una mención de honor en la V Bienal de Sáo Paulo.

En 1960, fecha de inicio de las series Volcanes, Toro-Cóndor y Mangles, abre muestras personales en la Galería El Callejón de Bogotá, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Lima y en la Galería Sixtina de Sáo Paulo. Por esos meses gana el Primer Premio del Salón Nacional de Cúcuta. En 1961 inaugura exposiciones individuales en el Museo La Tertulia de Cali, en la Galería El Callejón de Bogotá, en el Club Barranquilla y en la Galería Sixtina de Sáo Paulo. En 1962 obtiene por vez primera el Premio Nacional de Pintura en el XIV Salón Anual de Artistas Colombianos con la obra Violencia. Se desempeña como decano de la Escuela de Bellas Artes en la Universidad del Atlántico, Barranquilla (1962-63).

En 1963, fecha de inicio de la serie Barracudas, expone personalmente en la Galería Sistina de Milán, al tiempo que interviene como artista invitado en el Festival dei Due Mondi en Spoleto, Italia, y en la Bienal de Sáo Paulo. Meses después, luego de renunciar a la Dirección de la Escuela de Pintura de la Universidad del Atlántico, viaja a Europa.

En 1965 presenta una retrospectiva en la Galería Colseguros de Bogotá. En 1966, data en la que abandona definitivamente el óleo por el acrílico y en la que inicia la serie Los Huesos de mis bestias, obtiene por segunda vez el Premio Nacional de Pintura en el XVIII Salón de Artistas Nacionales. Su obra se destaca en 1967 por varias muestras personales en la Biblioteca Luis Angel Arango de Bogotá y en el Museo La Tertulia de Cali, así como por la obtención del Gran Premio Latinoamericano Francisco Matarazzo Corinho en la IX Bienal de Sáo Paulo.

Un año más tarde se residencia definitivamente en Cartagena. En 1970 presenta una importante muestra en el Center for Inter-American Relations de Nueva York. En 1973 inaugura una amplia individual en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Posteriormente su obra se presenta en importantes retrospectivas en el Museo La Tertulia de Cali (1979), en el Salón Cultural de Avianca en Barranquilla (1981) y en la Galería Esede de Bogotá (1981).

De 1982 a 1983 una amplia retrospectiva suya itinera por el Museo Metropolitano de Coral Gables, Miami, Florida, el Museo de Arte Moderno de Latinoamérica, OEA, Washington, D.C. y la Galería Quintana de Bogotá. En 1983 su cuadro-mural Amanecer en los Andes es instalado en la sede de la ONU en Nueva York. En 1985 la importante retrospectiva Alejandro Obregón. Pintor colombiano (106 obras de 1942 a 1985), itinera por el Museo Nacional de Bogotá, la Maison de l'Amérique Latine en Paris, y por Madrid.

En años sucesivos abre muestras individuales en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (1986), en la Galería Garcés Velásquez (1987), en la Aberbach Fine Art Gallery de Nueva York (1988), en la Galería Duque Vargas de Medellín (1989) y en la Galería El Museo de Bogotá (1990). En 1990, al cumplir el pintor 70 años, una amplia retrospectiva de su producción de cinco décadas itinera por el Museo de Monterrey, el Museo de Arte Moderno de México y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. En 1991 una selección de sus obras maestras es organizada por el Centro Cultural Consolidado de Caracas.

 

OMAR RAYO

Nació en 1928, en Roldanillo (Valle) - Colombia, inició su carrera artistica en 1947, dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Santafé de Bogotá.

Entre 1948 y 1954, exhibió varias veces sus obras en Santafé de Bogotá y en otras ciudades de Colombia. En 1954 comenzó a viajar para estudiar en todos los países de América Latina. Vivió en México desde 1959 hasta 1960 y ha estado viviendo en Nueva York desde entonces.

En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo (Valle) y en 1983 inauguró el proyecto "Arte Vial" con artistas internacionales entre Roldanillo y Zarzal.

En 1995 dirigió el proyecto "Arte Vial" con artistas colombianos con motivo de la cumbre de países no alineados, en Colombia.

En 1996 instaló una escultura metálica de 8 metros en la ciudad de Cali y en 1997 instaló una escultura metálica de 6 metros en Sevilla. El maestro Rayo ha viajado por todo el mundo y ha expuesto en muchos países.

De 1946 a 1954 expuso en Colombia y desde este año hasta 1958, hizo un extenso viaje de estudio por toda América Latina. o Entre 1959 y 1986 vivió y trabajó en México y Nueva York. En 1971 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo, Valle, el cual se mantiene en permanente actividad.

Su obra

Museo Rayo en Roldanillo

El pintor y grabador colombiano ha participado hasta hoy en más de 200 exposiciones individuales y colectivas realizadas en: España, Noruega, Perú, Brasil, Italia, Chile, México, Puerto Rico, Venezuela, Panamá, Ecuador, Cuba, Hungría, Polonia, Alemania, Costa Rica, Francia, Japón y Estados Unidos. El maestro Rayo está dedicado a la figura geométrica sin ser abstracto, pues en su estilo original con imágenes claras pinta objetos concretos. El es un artista geométrico-óptico, que ama los cuadros, los rectángulos y las líneas en zig zag.

Es tal vez, el único artista que ha expuesto en sitios tan lejanos como Christchurch, Nueva Zelandia. Omar Rayo, a quien le fue impuesta la orden de Boyacá en el grado de Gran Oficial en julio de 1994, ha sido galardonado también con premios como: El Shell Magazine Art Context, el segundo premio en dibujo del XI Salón de Artistas Colombianos, Premio Especial de Grabado en la Segunda Bienal Interamericana de México; Premio del Museo de Arte de Filadelfia; Mención de Honor en la Primera Bienal de Quito; Premio de Adquisición del Instituto de Artes y Ciencias de Manchester; Premio Especial de la Primera Bienal de Grabado Latinoamericano, de San Juan de Puerto Rico, entre otros.

Rayo ganó también una beca de la OEA para trabajar en México y la Beca Guggenheim de Nueva York.

 

EDGAR NEGRET DUEÑAS

Escultor caucano (Popayán, 1920). Hijo del general Rafael Negret Vivas y de María Dueñas, Negret estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali entre 1938 y 1943. A1 año siguiente, conoció en su ciudad natal al escultor vasco Jorge de Oteiza, quien lo puso al tanto de la escultura moderna.

Así, después de sus figuras erguidas o reclinadas, realizadas en la escuela dentro de una concepción convencional, Negret trabajó entre 1944 y 1948 una serie de yesos de innegable calidad, que anticipan su enorme inventiva. Son cabezas (de los poetas Guillermo Valencia, Porfirio Barba-Jacob, Gabriela Mistral y Walt Whitman), algunos temas religiosos (Virgen, Cabeza del Bautista, Ascensión, Mano de Dios y Anunciación), algunos temas mitológicos (Tritón y Venus) y La muchacha en la ventana. Aunque en las cabezas se reconocen los personajes, estas esculturas son básicamente abstractas por ser ante todo formas esenciales, alejadas de los pormenores.

Entre fines de 1948 y 1950, Negret realizó su primer viaje a Nueva York. Allí, a más de algunas cerámicas biomórficas, realizó sus primeras construcciones. Entre ellas se destacan El nido y Rostro de Cristo, ambas de 1950. En una y otra, la lámina de metal y el alambre aluden a los temas sin ninguna proclividad naturalista.

En 1949 Negret había realizado otra escultura en metal: Vaso con una flor, un dibujo hecho en varilla de hierro que no sólo representa el tema sino delimita el espacio real. Luego de una breve temporada en Colombia, Negret viajó a Europa; vivió en París, Barcelona, Madrid, Mallorca y St. Germain-en-Laye, entre 1950 y 1955. Inicialmente siguió trabajando yesos. En estas nuevas esculturas la abstracción predomina sobre cualquier alusión figurativa, tal como lo corroboran los propios títulos de las obras: Dirección sur, Homenaje a Gaudí, Columna conmemorativa de una masacre, etc. Luego de ver en París la retrospectiva póstuma de Julio González en 1953, Negret pasó a utilizar el hierro.

Estas construcciones realizadas en Palma de Mallorca, entre 1953 y 1954, ya sugieren aparatos o máquinas. A fines de 1955 y hasta 1963 Negret se instaló en Nueva York. Durante estos años ejecutó la serie denominada Aparatos mágicos .[ver tomo 6, p. 126], en la que, por primera vez, empleó el aluminio (que desde entonces será su material exclusivo) y luego de intentar unir las diferentes piezas con dobleces se decidió por la utilización de tuercas y tornillos. La serie se caracteriza por el empleo de elementos geométricos y por el rigor compositivo; también por el color: las construcciones están pintadas de negro, blanco, rojo y azul.

Luego de quince años de ausencia, Negret regresó al país en 1963, y desde entonces ha vivido en Bogotá (donde ya había expuesto en 1958 y 1962), con un corto intervalo en Cali entre 1968 y 1971. En 1963 participó en el XV Salón de Aristas Colombianos y ganó el primer premio en Escultura, con Vigilante celeste. En 1967 volvió a obtener el primer premio en el XIX Salón Nacional, con Cabo Kennedy.

A partir de los primeros años sesenta, las esculturas de Negret encuentran un elemento nuevo: El espacio interior que surge de la lámina de aluminio doblada y enfrentada a otra similar. El vacío, que ya había trabajado en Cabeza del Bautista, se convierte en un elemento importante en sus primeros Navegantes, y durante mucho tiempo estará presente en su producción.

El espacio interior da volumen a la construcción y, sobre todo, enriquece la composición que se convierte en un contraste permanente de formas metálicas y de formas espaciales, limitadas por el aluminio doblado. En estos mismos Navegantes se afianza la presencia de elementos repetidos, verdaderos módulos que ya habían hecho su aparición en las primeras construcciones de Mallorca.

Dos ripos de esculturas predominaron en la producción de Negret desde los primeros años sesenta: los Navegantes, siempre flotantes, con pocos puntos de apoyo, y los Puentes, siempre extendidos entre dos puntos, firmes y bien sostenidos. Luego aparecieron las series Cabo Kennedy, Géminis, Acoplamientos y, simultáneamente, las Torres, Edificios, Templos, Columnas y Escaleras, entre otras construcciones.

Negret nunca ha puesto sus títulos arbitrariamente, siempre ha acertado en esas denominaciones, que tienen algo en común: todas se refieren al mundo de las construcciones, ese mundo extraordinario que, a lo largo del siglo y gracias a la tecnología, ha realizado los aparatos más prodigiosos de navegación aérea en la atmósfera y el espacio abierto, los puentes, las estructuras y los edificios más grandes y sorprendentes de la historia de la humanidad.

Pero sus construcciones no sólo aluden a esas obras de la ingeniería y la arquitectura contemporáneas, son obras de arte, creaciones escultóricas con leyes propias que traducen un mundo material en formas completamente inventadas. La serie de Los Andes inicia una nueva etapa en la producción de Negret. A primera vista, la morfología no es demasiado diferente de las composiciones precedentes; sin embargo, estas esculturas recuerdan el poderío de nuestras montañas, su concatenación, su apariencia similar, sus picos y sus depresiones profundas.

Las metamorfosis de 1981 tienen una novedad que poco a poco se irá enfatizando: los planos que se articulan entre sí sin recurrir a los enfrentamientos con otros para crear espacios internos, y si esto último ocurre, el vacío no es tan importante como sucedía en la mayoría de las esculturas anteriores.

 

DAVID MANZUR

Nace en Neira (Caldas), Colombia. Realiza estudios en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, en el Art Student´s League de Nueva York y en el Instituto Pratt de la misma ciudad. Conocido por sus monumentales murales de Bogotá, Calí y Miami. Vive y trabaja en Bogotá.

El pintor ha tratado temas de una amplia diversidad que van desde el arte del retrato tradicional y el bodegón, hasta los estudios desnudos y vestidos de la figura humana. Durante toda su vida artística el pintor ha mantenido un diálogo con los antiguos maestros europeos, en pinturas en las que reverbera el arte de antiguedad así como la esencia del espíritu moderno.

Las pinturas de Manzur, a menudo parecen representar una escena de algún drama desconocido, cuya acción ha quedado congelada ante nuestros ojos. Sin embargo, su arte no cae en la trampa facilista de lo literario o lo narrativo. Este artista ha participado en un gran número de exposiciones individuales y colectivas tambien ha sido merecedor de un sinfin de distinciones internacionales.

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